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jueves, 27 de octubre de 2011

estudios de joyería en Francia


www.unmetierdartpourmoi.org
 
El joyero artesano concibe, realiza, repara, cuida, transforma y vende joyas realizadas con metales preciosos (oro, plata, platino). La joyería es el arte de crear una joya con gemas o piedras preciosas. Las gemas, su peso, su pureza, su color, su talla o su historia inspiran al joyero y le van a permitir realizar una obra única.
 
 
 
 

miércoles, 26 de octubre de 2011

LOS ESMALTES DE FREY WILLE CUMPLEN 60 AÑOS




"Entre las novedades de la colección del 60 aniversario encontramos los colores. Basándose en las colecciones ya existentes se incorpora por ejemplo el coral, marfil (Ivory) io azul rfundo (Royal Blue) en el esmalte de la coleción Magic Sphinx, y el oro blanco en el metal de la nueva línea Hope en la colección Homenaje a Gustav Klimt"
Via:  http://www.goldandtime.org

lunes, 24 de octubre de 2011

“Dinastía y divinidad: arte IFE en la antigua Nigeria"

Del 18 de septiembre al 13 de diciembre de 2009
"Los artistas de Ife, la antigua ciudad-Estado y tierra natal de los yoruba, crearon una obra escultórica única, que se cuenta entre las estéticamente más asombrosas y técnicamente sofisticadas de África. “Dinastía y divinidad: arte IFE en la antigua Nigeria” es la primera exposición exhaustiva que presenta los logros artísticos de esta civilización, que tuvo su apogeo entre los siglos XII al XV en Nigeria.
La muestra, organizada en Madrid por el Ministerio de Cultura y comisariada por Enid Schildkrout, conservadora del Museum for African Art, Nueva York, contiene 109 de las piezas de Ife más valiosas y bellas realizadas en materiales como bronce, terracota, piedra y cristal y que han sido cedidas para la itinerancia por Europa y Estados Unidos por la Comisión Nacional de Museos y Monumentos del Gobierno de Nigeria. La exposición ha sido mostrada en la Fundación Marcelino Botín en Santander y se puede contemplar en Madrid, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando".

Del 18 de septiembre al 13 de diciembre de 2009
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Alcalá, 13
28014 MADRID
Tel. 91 524 08 64
http://rabasf.insde.es
www.mcu.es
 

martes, 18 de octubre de 2011

GEMAS Y ESMALTES - LUIS VALLES EN MADRID

"Relación histórica del esmalte con las piedras preciosas y presentación de la última colección de joyas contemporáneas, realizadas por el esmaltista y orfebre Luis Vallés.
“Estas piezas estan inspiradas en mis viajes y mi observación de la naturaleza.Combinando la forma de la joyeria, el colorido del esmalte y la belleza de las gemas”.

A partir del 20 de Octubre en la Galería de Laura Marquez
http://www.lauramarquez.es
C/.San Bernardo, 58








A partir del 20 de Octubre en la Galería de Laura Marquez
http://www.lauramarquez.es
C/.San Bernardo, 58
 28015 - Madrid

miércoles, 12 de octubre de 2011

Estudio y tallado del diamante

http://www.youtube.com/watch?v=7HzaF144yzQ&feature=share&noredirect=1
Tallado Perfecto del diamante
www.youtube.com

"500 AÑOS DE HISTORIA DEL RELOJ", una exposición en Rusia desde el 20 de Octubre hasta el 10 de Noviembre

Organizada por la Fundación de Alta Relojería (FHH),  en el Kremlin Museum dónde se podrá ver .unos sesenta relojes excepcionales.



Más información en:
http://www.goldandtime.org/altarelojeria/exposicion/500/anos/historia/reloj/europa/abre/sus/puertas/rusia/42063/


 

viernes, 7 de octubre de 2011

Dior en Moscú

Video visto en :
                                                   euronews le mag

El arte y la moda se han unido en Moscú.

 Tras la debacle de John Galiano, Christian Dior recupera la magia de la moda en una retrospectiva de su historia en ...
 http://www.youtube.com/watch?v=npCipH3XQyk

Los cien vestigios de las grandes civilizaciones urbanas de la antigüedad

El afán de un monje viajero por ilustrar el mundo cultural de la Biblia fue el germen de una de las más importantes colecciones arqueológicas de Oriente Próximo que se conservan en España. Los viajes del padre Buenaventura Ubach a lo largo del primer tercio del siglo XX por lugares como El Cairo, Beirut o Damasco permitieron reunir muchas de las piezas que hoy alberga el Museo de Montserrat y que acaban de llegar a la Fundación Novacaixagalicia en A Coruña.
Una muestra sobre las civilizaciones de Egipto y Mesopotamia cuyo objetivo es conocer el origen de nuestra cultura y una cita privilegiada por las escasas ocasiones que hay de ver en Galicia ejemplos de estas culturas, cimientos de nuestra historia.
El padre Laplana, director del Museo de Montserrat, ha sido el encargado de explicar en A Coruña el origen de la colección. En 1906, el padre Ubach viajó a Jerusalén para estudiar la Biblia en lenguas originales y allí comenzó su colección. "Primero con elementos etnológicos y antropológicos, que aprendió a conservar y que traía al regresar de sus viajes", recuerda sacerdote. Así fue como nació el Museo Bíblico en el Monasterio de Montserrat. El objetivo de Ubach "no era 
buscar la belleza sino ilustrar el mundo bíblico", destaca Laplana.
Bastet (Egipto), 715 - 332 a. C.Bastet (Egipto), 715 - 332 a. C.

Más tarde regresó al Museo de El Cairo, donde se hizo con una colección de vestigios del antiguo Imperio egipcio gracias a piezas "repetidas" que vendía la entidad. Ubach hacía lo imposible para conseguir piezas, pero con los años cesó en el empeño de relacionar arqueología y escrituras sagradas. Para entonces, los mejores materiales del Museo Bíblico de Montserrat y las obras pictóricas y escultóricas guardadas en el monasterio desde el siglo XIII dieron lugar a la institución actual en 1962.

 

Dos culturas entrelazadas

A las piezas aportadas por Ubach se sumaron otras a través de donaciones, "las más importantes desde el punto de vista formal", asegura el padre Laplana. Las que ahora se exponen en A Coruña son un total de 118, 52 de la cultura mesopotámica y 66 del antiguo Egipto. Sólo hay dos reproducciones y el resto son piezas "autentificadas y estudiadas", comenta el sacerdote.
Egipto y Mesopotamia, con sistemas jerárquicos similares pero con dos desarrollos políticos diferentes, se entrelazan por igual entre los sarcófagos, máscaras, vasos, útiles y abalorios que conforman la muestra. "Se mezclan y sobreponen las dos dimensiones y además se confrontan", explica Laplana.
Entre las piezas conseguidas por Ubach destaca algunas como el talento -unidad de peso- en forma de pato del 2250 a. de C., una pieza con anécdota incluida: el monje lo descubrió sujetando una puerta en un pueblo de Damasco, llegó a un acuerdo con su propietario y permaneció sentado sobre la piedra hasta que, con nocturnidad, logró sacarla del país a lomos de un asno para no rendir cuentas. En otra ocasión, las autoridades aduaneras le aplicaron a una momia la tasa del bacalao por traerla hasta España.
Modelo de embarcación, Egipto, 2050 - 1750 a. C.Modelo de embarcación, Egipto, 2050 - 1750 a. C.

 

De elementos funerarios a bisutería

En las estancias de la fundación Novacaixagalicia se pueden contemplar dos sarcófagos donde descansaron sendos nobles, así como vestigios de la cultura funeraria de estas civilizaciones, entre ellos varios bisturíes utilizados para la momificación y vasos canopos en los que se depositaban las entrañas. Tampoco faltan hasta 40 conos funerarios traídos por el monje Ubach con inscripciones. "Se colocaban fuera de las tumbas para que las vidas de los difuntos perdurasen fuera de la tierra", comenta el padre Laplana.
Recipiente zoomorfo, 1200 - 1000 a. C.
Recipiente zoomorfo, 1200 - 1000 a. C.

Las piezas más antiguas datan del II y III milenio a. de C. Es el caso de un fragmento de Kudurru, una piedra para dejar constancia de la propiedad de una tierra con emblemas de la ciudad. También hay signos zodiacales y sellos para estampar en documentos, que se llevaban al cuello o como anillos.  
La bisutería es una parte importante de la exposición con collares hechos de varas vidriadas o perfumes a base de aceites. Según Laplana se trata de "propiciar la reflexión sobre objetos de la vida diaria con finalidad también muy didáctica". A su lado, una embarcación de madera policromada con importante simbología necrológica, cerámicas o tablas de escritura cuneiforme, réplicas de dioses o figuras femeninas como símbolo de fertilidad en un relato de la vida cotidiana de estas culturas.

Para completar la visita se muestran los hallazgos realizados por una serie de arqueólogos de la Universidad de A Coruña en dos proyectos en marcha sobre la Torre de Babel y sobre el Proyecto Arqueológico Medio Éufrates Sirio.
Marcos Nebreda 

Salas de exposiciones sede - A Coruña - A CORUÑA. 05 octubre 2011 - 08 enero 2012
fundacion.novacaixagalicia.es
 

miércoles, 5 de octubre de 2011

Exposición de orfebrería en Madrid

El Aragonés Antonio Martínez y su fábrica de platería en Madrid



"ANTONIO MARTÍNEZ fue, sin lugar a dudas, el platero español más famoso de la segunda mitad del siglo XVIII, esto sedebe en gran parte a que desarrolló su actividad en el periodo de la Ilustración y además contó con la ayuda de otros aragoneses quele consiguieron la protección real.
En primer lugar con el rey Carlos III que, siguiendo las pautas de los ilustrados, permitió a Martínez realizar un viaje por el extranjeropara aumentar sus conocimientos sobre el arte de la platería y después, sentar las bases de la Escuela-Taller para difundir y desarrollarlos conocimientos materiales, técnicos y estéticos que había adquirido.
En segundo lugar, con Carlos IV, gran aficionado a la técnica yexperimentado maestro en su taller privado, obtuvo un gran apoyo económico para completar el proyecto del edificio clasicistaque albergaría la primera Fábrica de Platería de nuestro país, en año 1792.
Con él, se realizará una producción singular que mantendrá una tendencia clasicista con unos matices decorativos muy particulares,con el uso de coloridos esmaltes, finos troquelados, y artísticos elementos figurativos tanto mitológicos como cotidianos.Marcando así un estilo muy característico que se mantendrá hasta después de su muerte en 1799, e incluso durante la primera décadadel siglo XIX.
Durante la Guerra de la Independencia, la Fábrica de Martínez se mantiene activa aunque el volumen de su producción bajó deforma considerable; a pesar de eso el gobierno de José Bonaparte perdonó la deuda que tenía con la corona.
El regreso de Fernando VII del exilio francés marca el arranquedel periodo en el que la producción de la Fábrica de Martínez estádirigida por Celestino Espinosa, platero de alto nivel que se reconoce en la dirección del regalo de las piezas del Tocador que elAyuntamiento de Madrid ofrece a la segunda esposa del rey, Dª. Isabel de Braganza.
En ellas se aprecia una creatividad singular tanto en estructuras como en elementos decorativos, sobre todo figurativos,muchos deellos tomados de los moldes y dibujos que Martínez ya utilizaba, o había traído de sus viajes, por ello a la hora de comparar la producciónde la Fábrica en ambos periodos, vemos ciertos paralelismos y similitudes que nos permiten equipararlos.
El equilibrio entre los diseños estructurales y los decorativos, el perfecto acabado de superficies lisas, doradas, bien pulimentadas,nos llevan a situar la producción de la Fábrica de Martínez en este periodo en lo más alto de la creación artística europea, perfectamentecomparable a lo que se realizaba en París, Londres, Roma etc.
Pablo Cabrero, un militar aragonés casado con la hija de Martínez en 1818, será el que tome la dirección de la Fábrica en el periodomás largo de su producción. Es muy probable que Don Pablo no se entendiera con Celestino Espinosa, lo que provocó que éstesaliese de la Fábrica y se estableciese por su cuenta. Esto influyó de tal manera en la producción que en ella se irá imponiendo unatendencia clasicista, muy del orden dórico, que es fiel reflejo de la moda ecléctica que va imponiendo una sociedad regida por elabsolutismo del antiguo régimen y que  curiosamente perviviódespués de la muerte del monarca que la mantenía.
Esto se debe en parte a los sistemas económicos de la producciónindustrial: sacar rentabilidad a la inversión realizada, y por otro, a la liberalidad de poder utilizar toda una serie de útiles técnicossimilares como moldes, troqueles, diseños, etc, por otros artífices que habían aprendido en esta Fábrica, como Griñón,Moratilla o Dorado, lo que mantiene esa tendencia artística en
boga hasta muy entrada la segunda mitad del siglo.

Llega a ser tan grande la similitud entre las piezas realizadas por esos plateros con las obras de la Fábrica que incluso nos hacendudar a la hora de realizar a simple vista una atribución de las mismas.
Los herederos de Pablo Cabrero no supieron o no pudieron llevar la riendas de esta industria por circunstancias económicasy por consiguiente decidieron arrendar la misma a una
Compañía privada que nada tenía que ver con esta actividad.

Sí supieron elegir bien a su nuevo Director que fue D. JoséRamírez de Arellano, platero que aprendió en la misma Fábricay que por consiguiente supo mantener su producción a la altura de las primeras en su materia. Arellano siguió las pautas dela industrialización y mantuvo la rentabilidad de la inversión con la repetición de modelos, y decoraciones. Solo en algunosencargos particulares desarrolló nuevos diseños y elementos decorativos que merecieron el reconocimiento de los expertosde las exposiciones internacionales, como la mención especial
obtenida en la de París de 1855.

A él corresponde el mérito de la elaboración de las bellas esculturas de la catedral de Sevilla, así como el diseño de diferentesmodelos de escribanías más acordes con las modas románticas. Tras la bancarrota de la Compañía del Iris, los herederos deMartínez vuelven a tomar las riendas de la Fábrica y será Paulina Cabrero Martínez la que se quede como única propietaria de lamisma, después de un acuerdo con sus hermanos. La producción, durante los primeros años de este periodo, sigue en lamisma línea que marcó Ramírez de Arellano, pero a partir de 1860-61 se va a echar en falta una creatividad en el diseño quepermita equipararse con la producción de otras firmas madrileñas como Moratilla, Griñón, Sellan o la Fábrica de Marquina-Espuñes.
Buena prueba de ello son los varios artífices que ocupan la dirección de la misma, Peñalver, Arnau y González. De estemomento son los encargos de las iglesias de San Francisco el
Grande y de la Virgen de Atocha, realizados en metales y de un mérito artístico algo discutible.

A partir de 1865 se van vendiendo las diferentes parcelas de la manzana que ocupaba toda la familia, y en 1867 se procede ala venta definitiva del edificio de la Fábrica de Platería de
Martínez que pasará a propiedad del Estado, tras largos informes de la Academia en el año 1878.

El edificio se mantuvo en pie hasta el año 1919, antes de pasar a ser propiedad del Estado. En él se celebraron exposiciones deBellas Artes y una monográfica del pintor Rosales tras su
muerte. En sus últimos años se estableció allí una oficina de la Deuda Pública dependiente del Ministerio de Hacienda. Eledificio y sus terrenos se vendieron en 1911 y los adquirió un
particular para construir en ellos un hotel de viajeros que, con el paso del tiempo se convirtió en viviendas particulares tal ycomo hoy lo vemos."

Redactado por FERNANDO A. MARTÍN




  • Fecha: 17 de junio de 2011 al 16 de octubre de 2011
  • Lugar: Museo Historia     
  •  Calle de Fuencarral, 78
     91 701 18 63
    Metro: Tribunal
     Entrada gratuita
    Mar-vier  9:30-20:00 h;
  • Precio: Entada gratuita
  • Horario: De martes a viernes: 9.30 a 20 horas Sábados y domingos: 10 a 14 horas Lunes y festivos cerrado.
  • Duración: Del 17 de junio al 16 de octubre.


martes, 4 de octubre de 2011

OPAL: “The World’s Most Popular Phenomenal Gemstones”


We take a closer look at opal: the world's most popular phenominal gemstone.

The ancient Greeks believed opals gave their owners the gift of prophecy and guarded them from disease. Europeans have long considered the gem a symbol of hope, purity, and truth.
Numerous legends and tales surround this colourful gemstone, which can be traced back in its origins to a time long before our memory, to the ancient dream time of the Australian aborigines.
It is reported in their legends that the creator came down to Earth on a rainbow, in order to bring the message of peace to all the humans. And at the very spot, where his foot touched the ground, the stones became alive and started sparkling in all the colours of the rainbow. That was the birth of the Opals.Almost ninety-five per cent of all fine opals come from the dry and remote outback deserts.
How did opal get its name:The name Opal was probably derived from Sanskrit “upala“, meaning ”valuable stone“. This was probably the root for the Greek term “opallios”, which translates as “colour change”.Pliny, the famous Roman author, called Opal a gemstone which combines the best possible characteristics of the most beautiful of gemstones: the fine sparkle of Almandine, the shining purple of Amethyst, the golden yellow of Topaz, and the deep blue of Sapphire, ”so that all colours shine and sparkle together in a beautiful combination“.
Play-of-Color Phenominan:Opal’s colour play emanates a very special attraction and fascination. But what causes this phenomenon? This question was impossible to answer for a very long time. Only when in the 1960s a team of Australian scientists analysed Opals with an electron microscope, it was discovered that small spheres from silica gel caused interference and refraction manifestations, which are responsible for the fantastic play of colours. The spheres, which are arranged in more or less compact structures, succeed in dissecting the light on its passage through the gemstone and turning it into all the colours of the rainbow, always new and always different.
The Creation of Opal:The history of Australian Opal began actually millions of years ago, when parts of Australia were covered by a vast inland sea, and stone sediment was deposited along its shoreline. When the water masses flooded back, they flushed water containing silica into the resulting cavities and niches in the sedimentary rocks, and also the remains of plants and animals were deposited there. Slowly the silica stone transformed into Opal, for basically Opals are simply a combination of silica and water. Or, to be more precise: Opals are a gel from silica, with varying percentages of water.
Cutting and Wearing of Opal:
In order to best bring out the play of colour in a Fine Opal, the stones are cut and polished to round or oval cabochons, or any other softly domed shape , depending on the raw material. Only the best qualities of Fire Opal, however, are suited to faceting. The Opal cutter will first of all carefully remove any impurities using a diamond cutting wheel, before working out the rough basic shape. The comes the fine cutting, the finishing with sandpaper and then the final polishing with a wet leather wheel.
Due to the differing percentage of water, Opals may easily become brittle. They always contain water – usually between 2 and 6 per cent, but sometimes even more. Thus if stored too dry or exposed to heat over a longer period of time, Opals will show fissures and the play of colour will become paler. Therefore, Opal jewellery should be worn as often as possible, for then the gemstone will receive the needed humidity from the air and from the skin of its wearer.
What Determines Opal’s Value:Opal’s value is not only determined by the body colour, transparency and factors based on place of occurrence. (Body colour refers to the basic colour of the gemstone, which can be black, dark or light and coloured). It is also important if the stone is transparent, translucent or opaque. And the opalizing effect may also influence the transparency.The most important criterion for determining the price of an Opal, however, is the play of colour, the colours as such and their pattern. If the colour red appears when looking through the stone, all the other colours will appear also. For evaluating Opals the thickness of the Opal layer is considered, the beauty of the patterning, the cut, weight and finish.
Although experts divide gem opals into many different categories, the main types are:
White opal – translucent to semi-translucent with play-of-color against a white or light gray body color.
•Black opal – translucent to opaque with play-of-color against a black or other dark body color.
•Fire Opal – transparent to translucent with brown, yellow, orange, or red body color. This material, which often does not show play-of-color, is also known as “Mexican opal,” “gold opal,” or “sun opal.”
The market supply of fine black opal is extremely limited, but white and fire opals are generally available in a wide range of sizes. You’ll usually see black or white opals fashioned as cabochons and set in rings, pendants, pins, or earrings. Fire opals are used in the same kinds of jewelry, but they’re often faceted. All three types occasionally appear as beads and carvings.
The fantastic colour play of Opal reflects changing emotions and moods of people. Fire and water, the sparkling images of Boulder Opal, the vivid light flashes of Black Opal or the soft shine of Milk Opal – striking contrasts characterise the colourful world of this fascinating gemstone. Maybe this is the reason why it depends on our daily mood which Opal we prefer. Opals are like human emotions: you always experience them different and anew.
Sources: Australia, Brazil, Mexico

Hardness & Toughness: Opal’s harness rates between 5 to 6.5 on the MOHS scale. Its toughness is rated Very poor to Fair
Stability: High heat or sudden temperature change can cause fracturing. Opals are generally stable to light, but heat from intense light can cause fracturing (known as “crazing”). Opals are attacked by hydrofluoric acid and caustic alkalis. Loss of moisture, and crazing, can result from storage in airtight containers, such as safe deposit boxes.
Care and Cleaning: Opals can be cleaned with warm, soapy water. Avoid ultrasonic and steam cleaning.
Imitations & Synthetics: Glass and plastic have been used to imitate opal, and synthetic opals are available in a variety of colors.

Presentan un video sobre una mina de ópalos que se encuentra cerca de la capital de ópalos en Australia.

http://www.theonlinejeweler.org/opal-the-worlds-most-popular-phenominal-gemstones/




OTRO EGIPTO - COLECCIONES COPTAS DEL Mº DEL LOUVRE




Bada con personajes dionisíacos. Procedencia desconocida C. Siglo. VI Lino y lana. © 2009 Musée du Louvre / Georges Poncet
Bada con personajes dionisíacos. Procedencia desconocida C. Siglo. VI Lino y lana. © 2009 Musée du Louvre / Georges Poncet

"Esta exposición está dedicada a la civilización copta que nace en Egipto a partir de la época romana y que se prolonga hasta la conquista árabe, a mediados del siglo VII dC. La muestra repasa los tres periodos históricos de los cristianos en Egipto: el periodo romano, el bizantino y el islámico.

Con más de 200 piezas entre tejidos, pinturas, cerámicas, papiros, vestidos, paramento litúrgico y utensilios de uso cotidiano y doméstico, el visitante podrá conocer la cultura copta, así como su escritura, forma de vivir y vida religiosa.

Esta exposición ha sido organizada por la sección copta del Departamento de Antigüedades Egipcias del Museo del Louvre dentro del convenio marco firmado entre la Obra Social "la Caixa" y el Museo del Louvre."

CaixaForum Girona
Del 15/09/2011 al 08/01/2012

Mercedes Vega acerca pintura y joya e integra ésta en sus cuadros de inspiración en los grandes maestros


Mercedes Vega

La Joyería y otras artes no tienen por qué seguir caminos divergentes. Al contrario, una de las formas que tenemos de conocer cómo era la joya de tiempos antiguos es precisamente acudiendo a las obras maestras de la pintura en la que está reflejada. Pero en este caso, además joya y pintura van de la mano.
Mercedes Vega, vinculada al mundo la gemología y la joyería por razones familiares, es una pintora madrileña que ha elegido un camino peculiar. Basándose en obras de grandes pintores, o partiendo de sus propias creaciones, incorpora en sus pinturas elementos reales de joyería y gemología, con lo que aporta un toque de realidad a sus cuadros, con el sorprendente y paradójico resultado de que adquieren un carácter más surrealista y mágico. Bebiendo en las fuentes de grandes maestros clásicos como Vermeer, o más recientes como Modigliani o Klimt, recoge toda la sensualidad de sus grandes obras y les añade el pequeño detalle de unas piedras, una perla, una pequeña joya, logrando así una extraña sensación de cercanía onírica. Su mundo artístico oscila entre el sueño y la realidad con un aspecto naïf que enmascara un guiño picarón, una inocente perversidad plasmada en el uso de las joyas y las gemas. Gemas que normalmente son de imitación, pero que se pueden pesonalizar e incluir las auténticas. En todo caso, una visión diferente de la joya que trasciende la clásica e injusta división entre artes mayores y menores y demuestra que todas ellas, incluida por derecho propio la joyería no son mas que manifestiaciones diversas de un mismo Arte".
 
NEXOGOLD.com /
http://www.goldandtime.org/nexogold
 

lunes, 3 de octubre de 2011

EN EL MUSEO DEL TRAJE DE MADRID

Una exposición en el Museo del Traje pone el broche de oro a una semana llena de moda

Una exposición en el Museo del Traje pone el broche de oro a una semana llena de moda

"Para quienes desean seguir viviendo la resaca que ha dejado una semana marcada por la moda en Madrid, el Museo del Traje presenta una exposición con exclusivas piezas de las creaciones más recientes de diseñadores de la talla de Alvarno y The 2nd Skin Co, junto a una selección de joyas artesanales de la prestigiosa casa española Carrera y Carrera. Un cierre ideal para la primera edición del Madrid Fashion Show que podrá ser visitada hasta el 2 de octubre"

 PRORROGADO HASTA EL 16 DE OCTUBRE

www.museodeltraje.mcu.es
  

domingo, 2 de octubre de 2011

UN POCO MAS DE JEAN PAUL GAULTIER PARA LA PRIMAVERA 2012







http://www.vogue.com/collections/spring-2012-rtw/jean-paul-gaultier/review/#/collection/runway/spring-2012-rtw/jean-paul-gaultier/76

Ver también el post anterior

JEAN PAUL GAULTIER, SU COLECCIÓN PRIMAVERA 20012 Y SUS JOYAS












Normalmente, se exhiben pocas joyas en el transcurso de los desfiles de modelos de las colecciones de los grandes creadores de la moda textil. Gaultier es siempre una excepcióntal como lo podemos ver: 76 modelos desfilaron y todas llevaban adornos, collares, pendientes espectaculares y como no multitud a veces de pulseras.
No olvidar que ya en el año 1976, creó toda una serie de joyas eléctronicas!

Más en:
http://www.vogue.com/collections/spring-2012-rtw/jean-paul-gaultier/review/#/collection/runway/spring-2012-rtw/jean-paul-gaultier/30